Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata / José Areán, director titular

Ígor Stravinski (1882-1971)
Sinfonías para instrumentos de aliento
Duración aproximada: 10 minutos

Ígor Stravinski
Octeto para instrumentos de aliento
I. Sinfonia. Lento
II. Tema con variazioni. Andantino
III. Finale. Tempo giusto
Duración aproximada: 15 minutos

Intermedio

Antonín Dvořák (1841-1904)
Serenata para cuerdas, Op. 22
I. Moderato
II. Tempo di valse
III. Scherzo. Vivace
IV. Larghetto
V. Finale: Allegro vivace
Duración aproximada: 30 minutos

Duración total aproximada: 70 minutos

Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata
Agrupación sinfónica fundada en 2012 que lleva el nombre del reconocido director mexicano Eduardo Mata, titular de la OFUNAM entre 1966 y 1976. Tiene como sede la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario. Sus integrantes desarrollan una intensa actividad orquestal y complementan su formación mediante clases magistrales con solistas invitados, seminarios de música de cámara y talleres seccionales. En el marco de sus actividades artísticas se ha presentado en diversos estados de la República, entre ellos Michoacán, Querétaro, Morelos, Estado de México, Guerrero y Guanajuato. En 2015 realizó una gira internacional que incluyó su debut en el Auditorium Parco della Musica de la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma y su participación en los festivales Emilia Romagna de Imola y Semanas Musicales de Merano, en Italia, donde compartió escenario con orquestas como las de los teatros La Scala y Mariinsky. En 2019 lanzó su primer disco, El árbol de la vida, con obras de José Pablo Moncayo, Silvestre Revueltas y Hebert Vázquez. Ese mismo año ofreció presentaciones en la sede de la Organización de las Naciones Unidas y en el Museo del Barrio de Nueva York. Actualmente la dirección titular está a cargo de José Areán, cargo que anteriormente ocupó Gustavo Rivero Weber. A lo largo de su trayectoria la Orquesta ha trabajado con directores huéspedes como Enrique Bátiz, Avi Ostrowsky, Massimo Quarta, Lanfranco Marcelletti, Ronald Zollman, Enrique Arturo Diemecke, Moshe Atzmon, Bojan Sudjić y Rodrigo Macías, y ha colaborado con solistas como Pascal Rogé, Roberto Díaz, Jorge Federico Osorio, Anabel De la Mora, Alexander Kniazev, Massimo Quarta, Anna Hashimoto, Manuel Ramos, Erika Dobosiewicz, Friedrich Kleinhapl, Makoto Ueno, María Tretyakova, Noé Colín, Victor Sych, Fernando de la Mora, Nikolai Khoziainov, Wonmi Kim y Pablo Garibay.

José Areán, director titular
El director mexicano José Areán ha desarrollado una amplia trayectoria en la ópera, la música sinfónica y la gestión cultural. Su carrera operística comenzó como Director Musical Asistente de la Ópera Nacional de México en el Palacio de Bellas Artes (1996-2001), cargo tras el cual fue nombrado Director Artístico de la compañía (2007-2009). Durante este periodo dirigió un repertorio diverso de ópera y ballet, además de impulsar estrenos relevantes como Únicamente la verdad de Gabriela Ortiz, Séneca de Marcela Rodríguez y los estrenos en América Latina de L’amour de loin de Kaija Saariaho y Avis de tempête de Georges Aperghis. Ha colaborado con cantantes de proyección internacional, entre ellos Plácido Domingo, Francisco Araiza, Ramón Vargas, Rolando Villazón, Javier Camarena, Arturo Chacón y Ainhoa Arteta. Ha sido director titular de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Sinfónica de Aguascalientes y la Sinfónica de Yucatán. En 2025 asumió la titularidad de la Orquesta Sinfónica Juvenil Eduardo Mata (OJUEM). Su actividad internacional incluye presentaciones en Europa, Asia y América Latina con orquestas como la Filarmónica de Tokio, la Orquesta Estatal de Braunschweig, la Filarmónica de Bogotá y la Filarmónica Estatal George Enescu, en recintos como Takemitsu Memorial Hall de Tokio, la Sala de la ORF en Viena y el Teatro Mayor de Bogotá. Entre 2002 y 2007 fue director del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, donde produjo la primera presentación integral en México del Anillo del Nibelungo. Desde 2006 conduce el programa televisivo Escenarios, dedicado a la ópera, el ballet y la música. Formado en la UNAM y en el Conservatorio de Viena, ha desarrollado su labor en distintos campos de la música.

José Areán, director titular

Violines primeros
Emmanuel Bautista
Juan Pablo Ortega
Iván Núñez
Edgar Román
Leopoldo Mendoza
Diana Ayón
Belem Espitia
David Jiménez
Mariana Cervantes
Daniel Manzano
Juan Pablo Ramírez

Violines segundos
Maya García
Aarón Jiménez
Armando Frost
Nubia Torres
Claudio Zepeda
Milton Carrera
Erick Álvarez
Abril Herrera
Rafael Flores
Guadalupe Aguirre

Violas
Marco Inda
Samuel Rojas
Sonia Orozco
Juan Manuel González
Alejandro Márquez
Felipe Soto
Félix Zapata
Jonathan Coronel

Violonchelos
Pablo Montero
Emiliano Núñez
Mario Nucamendi
Alanis Pérez
Georgy Diorditsa
Mengielly Díaz
Andrés Ibarra

Contrabajos
Ricardo Caminos
Salvador Mena
Erandy Solórzano
Santiago Benítez

Flautas
Arleth Arpide
Mariana Aguirre
Binitz Cruz

Oboes
Daniela Sierra
Jesús Limón
Diana Miguel

Clarinetes
Gabino Salas
Miguel Pérez
Carlos Toro

Fagotes
Emiliano Caballero
Martín Ascencio

Cornos
Diego Sánchez
Ángel Herrera
Donovan Medrano
René Salazar

Trompetas
Hayden Cornejo
Roberto Durán
Yair Morales

Trombones
Víctor Manuel Valencia
Diego Elorza
Aleksei Arreola

Percusiones
Javier Guzmán
Uriel Villalobos
José Mauricio Pérez

-

Mauricio Villalba
Gerente

Eduardo Barrera
Coordinador de Becarios

Alfredo Trujano
Bibliotecario

Samuel Romero
Emanuel Martínez
Técnicos

Ígor Stravinski (1882-1971)
Sinfonías para instrumentos de aliento
Ígor Stravinski escribió las Sinfonías para instrumentos de aliento en 1920 como un homenaje póstumo a Claude Debussy, fallecido dos años atrás. El estreno se llevó a cabo en Londres, en junio de 1921, bajo la batuta de Serguéi Kusevitski. Esta obra le valió al compositor el adjetivo de “neoclásico”, aludiendo con ello a una música donde la forma y la estructura eran lo más importante.

Si bien esta última afirmación es acertada, en tanto que la obra consta de diferentes “bloques” musicales aparentemente distintos, existen otras posibilidades. La primera está relacionada con la palabra sinfonía: Stravinski recurrió al significado etimológico del término para referirse a aquel grupo de sonidos que “suenan bien juntos”. Otra interpretación proviene de una declaración del compositor, en la que describió la obra como “un ritual austero que se desarrollaba en términos de breves letanías entre diferentes grupos de instrumentos”.

Para el musicólogo Richard Taruskin, esta afirmación conecta la pieza con el oficio ortodoxo ruso de los muertos, conocido como Panikhida, el cual consta de tres partes. De esta manera, la interpretación de los “bloques” cobra otro sentido: cada atmósfera es una nueva letanía mediante la cual Stravinski edificó un mausoleo a Debussy.

Ígor Stravinski
Octeto para instrumentos de aliento
“Mi Octeto no es una obra 'emotiva', sino una composición musical basada en elementos objetivos que son suficientes por sí mismos”, escribió Ígor Stravinski sobre su pieza para ocho instrumentos de aliento, concluida en 1923. Era una época de transición en el estilo del compositor: tras su exploración del ritmo en obras como La consagración de la primavera (1913), había llegado el momento de explorar el timbre.

Stravinski le confió a su amigo, el compositor y director de orquesta estadounidense Robert Craft, que la idea del Octeto surgió de un sueño en el que ocho instrumentistas de viento tocaban “una música muy atractiva”. Aunque al despertar no recordaba la melodía, sí recordaba los instrumentos: flauta, clarinete, dos fagotes, dos trompetas y dos trombones, instrumentación del octeto.

La obra consta de tres movimientos en los que rescata formas musicales del pasado, como la sonata clásica, el tema con variaciones y la fuga. En lugar de recurrir a una gran complejidad armónica, la pieza aprovecha la maleabilidad del sonido para construir juegos y contrastes de dinámica. Y tal como sentenció el compositor: la música entreteje las voces del conjunto pero, al mismo tiempo, permite reconocer y apreciar cada uno de los alientos.

Antonín Dvořák (1841-1904)
Serenata para cuerdas, Op. 22
Antonín Dvořák tenía 33 años cuando escribió su Serenata para cuerdas. Era el mes de mayo de 1875, hace más de ciento cincuenta años. Se dice que terminó la composición en apenas doce días, durante un periodo muy feliz: un año antes se había hecho acreedor al Premio Estatal de Composición de Austria, certamen donde, además de la gratificación económica, ganó el aprecio de Johannes Brahms, quien formaba parte del jurado. Sumado a ello, disfrutaba de su matrimonio y de su primer hijo.

Esta sensación de bienaventuranza aparece en cada uno de los movimientos de la obra, la cual retoma la tradición del siglo XVIII de la serenata. Este género, aunque carecía de una estructura definida, generalmente incluía un movimiento de apertura que se alternaba con movimientos lentos y concluía con un cierre en tempo rápido. Dicha forma es reinterpretada con maestría a lo largo de los cinco movimientos de esta Serenata, donde Dvořák explora diferentes caracteres; entre los cuales destaca el lirismo del Tempo di valse y la añoranza del Larghetto.

Notas: Montserrat Pérez-Lima