Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata / José Areán, director titular / Gonzalo Gutiérrez, piano

Gustav Mahler (1860-1911)
Blumine
Duración aproximada: 8 minutos

Carlos Chávez (1899-1978)
Concierto para piano y orquesta
I. Largo non troppo–Allegro agitato–Largo non troppo
II. Molto lento–Poco meno lento–Andante tranquilo
III. Final: Allegro non troppo
Duración aproximada: 36 minutos

Gonzalo Gutiérrez, piano

Intermedio

César Franck (1822-1890)
Sinfonía en re menor
I. Lento–Allegro ma non troppo
II. Allegretto
III. Finale: Allegro non troppo
Duración aproximada: 42 minutos

Duración total aproximada: 90 minutos

Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata
Agrupación sinfónica fundada en 2012 que lleva el nombre del reconocido director mexicano Eduardo Mata, titular de la OFUNAM entre 1966 y 1976. Tiene como sede la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario. Sus integrantes desarrollan una intensa actividad orquestal y complementan su formación mediante clases magistrales con solistas invitados, seminarios de música de cámara y talleres seccionales. En el marco de sus actividades artísticas se ha presentado en diversos estados de la República, entre ellos Michoacán, Querétaro, Morelos, Estado de México, Guerrero y Guanajuato. En 2015 realizó una gira internacional que incluyó su debut en el Auditorium Parco della Musica de la Academia Nacional de Santa Cecilia en Roma y su participación en los festivales Emilia Romagna de Imola y Semanas Musicales de Merano, en Italia, donde compartió escenario con orquestas como las de los teatros La Scala y Mariinsky. En 2019 lanzó su primer disco, El árbol de la vida, con obras de José Pablo Moncayo, Silvestre Revueltas y Hebert Vázquez. Ese mismo año ofreció presentaciones en la sede de la Organización de las Naciones Unidas y en el Museo del Barrio de Nueva York. Actualmente la dirección titular está a cargo de José Areán, cargo que anteriormente ocupó Gustavo Rivero Weber. A lo largo de su trayectoria la Orquesta ha trabajado con directores huéspedes como Enrique Bátiz, Avi Ostrowsky, Massimo Quarta, Lanfranco Marcelletti, Ronald Zollman, Enrique Arturo Diemecke, Moshe Atzmon, Bojan Sudjić y Rodrigo Macías, y ha colaborado con solistas como Pascal Rogé, Roberto Díaz, Jorge Federico Osorio, Anabel De la Mora, Alexander Kniazev, Massimo Quarta, Anna Hashimoto, Manuel Ramos, Erika Dobosiewicz, Friedrich Kleinhapl, Makoto Ueno, María Tretyakova, Noé Colín, Victor Sych, Fernando de la Mora, Nikolai Khoziainov, Wonmi Kim y Pablo Garibay.

José Areán, director titular
El director mexicano José Areán ha desarrollado una amplia trayectoria en la ópera, la música sinfónica y la gestión cultural. Su carrera operística comenzó como Director Musical Asistente de la Ópera Nacional de México en el Palacio de Bellas Artes (1996-2001), cargo tras el cual fue nombrado Director Artístico de la compañía (2007-2009). Durante este periodo dirigió un repertorio diverso de ópera y ballet, además de impulsar estrenos relevantes como Únicamente la verdad de Gabriela Ortiz, Séneca de Marcela Rodríguez y los estrenos en América Latina de L’amour de loin de Kaija Saariaho y Avis de tempête de Georges Aperghis. Ha colaborado con cantantes de proyección internacional, entre ellos Plácido Domingo, Francisco Araiza, Ramón Vargas, Rolando Villazón, Javier Camarena, Arturo Chacón y Ainhoa Arteta. En el ámbito sinfónico ha dirigido a la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Sinfónica de Aguascalientes y la Sinfónica de Yucatán. En 2025 asumió la titularidad de la Orquesta Sinfónica Juvenil Eduardo Mata (OJUEM). Su actividad internacional incluye presentaciones en Europa, Asia y América Latina con orquestas como la Filarmónica de Tokio, la Orquesta Estatal de Braunschweig, la Filarmónica de Bogotá y la Filarmónica Estatal George Enescu, en recintos como Takemitsu Memorial Hall de Tokio, la Sala de la ORF en Viena y el Teatro Mayor de Bogotá. Entre 2002 y 2007 fue director del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, donde produjo la primera presentación integral en México del Anillo del Nibelungo. Desde 2006 conduce el programa televisivo Escenarios, dedicado a la ópera, el ballet y la música. Formado en la UNAM y en el Conservatorio de Viena, ha desarrollado su labor en distintos campos de la música.

Gonzalo Gutiérrez, piano
Originario de la Ciudad de México, estudió en la Escuela Nacional de Música de la UNAM con Néstor Castañeda. Posteriormente amplió su formación con Ludovica Mosca e István Nádas. Se ha presentado como solista con la Orquesta Filarmónica de Tokio, la Orquesta Sinfónica Nacional, la Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Orquesta del Instituto Politécnico Nacional, la Orquesta Filarmónica de Sonora, la Orquesta Filarmónica de Jalisco, la Orquesta de la Escuela de Música Vida y Movimiento Ollin Yoliztli, el Ensamble Cepromusic, el Ensamble del Conservatorio de las Rosas, la OFUNAM, entre otras. En 2013 obtuvo por concurso nacional la residencia como pianista del Ensamble Cepromusic, con el cual realizó giras por Escocia, Inglaterra, Estados Unidos, España, Colombia, Brasil y Alemania. Ha participado en festivales internacionales como el Aarhus Festuge (Dinamarca), los Darmstädter Ferienkurse (Alemania), el Festival Internacional Cervantino (México), el Huddersfield Contemporary Music Festival (Inglaterra) y Les Eurockéennes (Francia). Ha ofrecido recitales en escenarios como la Tōru Takemitsu Opera City Concert Hall (Japón), la Sala Nezahualcóyotl, el Palacio de Bellas Artes, el Teatro Degollado y el Conrad Prebys Music Hall en la Universidad de California en San Diego.

Gustav Mahler (1860-1911)
Blumine
A quién no le ha importado el “¿qué dirán?”. Por muy mínimo que parezca, el juicio ajeno puede ser determinante en las decisiones más simples o las más trascendentes, tal como ocurrió con Blumine de Gustav Mahler. Completado en 1888 como parte de su Primera sinfonía, este movimiento fue eliminado tras el estreno por las duras críticas que recibió. Algunos lo consideraron banal, extraño en el estilo del compositor y otros, ajeno a la estructura de la sinfonía. Lo cierto es que, para 1897, Mahler eliminó todo rastro programático de la obra –que originalmente se llamaba Titán–, y con ello también cortó las “florecillas”, significado de Blumine.

Esta obra fue descrita por el compositor como un “episodio de amor apasionado y sentimental" y efectivamente lo es. Contrario al carácter bélico con el que usualmente se asocia a la trompeta, en esta pieza el instrumento se convierte en portavoz de la pasión y el romance; este sentimiento envuelve a toda la orquesta y resulta en un delicado bocado para el corazón.

Carlos Chávez (1899-1978)Concierto para piano y orquesta
El Concierto para piano de Carlos Chávez resultó de un encargo que la Fundación Guggenheim hizo al compositor en 1938, mismo que fue terminado a finales de 1940. Su estreno tuvo lugar el 4 de enero de 1942 en el Carnegie Hall de Nueva York, con Eugene List como solista y Dimitri Mitrópoulos al frente de la Filarmónica de Nueva York. La obra se presentó después en Londres y, en 1943, en México, con Claudio Arrau como solista y el propio Chávez en la dirección. Aunque el concierto provocó reacciones dispares entre la crítica y el público, ninguna puso en duda su factura y exigencias técnicas, tanto para el solista como para la orquesta.

La obra se articula en tres movimientos. El primero está lleno de contrastes: momentos cantabiles de amplio diálogo, frente a otros de un fuerte debate rítmico entre piano y orquesta. El segundo movimiento es lento y austero en recursos. Poco a poco se suman nuevas voces de la orquesta, hasta dar vida a una procesión que crece en intensidad. El tercer movimiento retoma el impulso rítmico y el piano vuelve a la carga, en estrecha relación con la orquesta.

César Franck (1822-1890)
Sinfonía en re menor
En 1889, tras el estreno de la Sinfonía en re menor de César Franck, surgieron dos grupos: los alumnos del compositor y aquellos adscritos a su estilo, frente a los detractores de fusionar la sinfonía francesa con la alemana, entre muchos otros que simplemente no comprendieron la forma de la obra. En beneficio de ambos bandos, la sinfonía tiene un poco de todo aquello que se dijo: cuenta con tres movimientos en lugar de cuatro. Ciertamente, entreteje un diálogo con el sinfonismo alemán e incluso con obras no sinfónicas; ejemplo de ello es su extenso primer movimiento, cuyo comienzo ominoso remite al último movimiento del Cuarteto núm. 16 de Beethoven. El Allegretto destaca por el uso poco habitual de instrumentos tales como el corno inglés, protagonista absoluto, criticado en su momento por sus asociaciones secundarias, pero cuyo resultado sonoro subraya el carácter melancólico del movimiento. Por su parte, el Finale, además de poseer gran vitalidad, retoma temas de las partes anteriores y propone un juego de contrarios: vida, muerte, luz, obscuridad y un cúmulo de emociones que nos invita a unirnos al bando de los entusiastas.

Notas: Montserrat Pérez-Lima