En el siglo XVII, la viola da gamba ocupó un lugar central en la música de cámara inglesa. En un contexto marcado por transformaciones políticas y culturales, este instrumento propició el desarrollo de un amplio repertorio para consort y para interpretación solista. El programa The Spirit of Gambo, interpretado por Margaret Little y Rafael Sánchez Guevara, reúne obras de tres figuras representativas de esta tradición: Tobias Hume, John Jenkins y Christopher Simpson. Se incluyen piezas de Hume, publicadas en The First Part of Ayres (1605), una de las primeras colecciones dedicadas a la viola da gamba solista y de Simpson, autor de The Division Viol (1665), tratado fundamental para la práctica instrumental inglesa.

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Música UNAM presenta la serie Música comentada, concebida como un espacio que acerca al público a obras representativas del repertorio camerístico y fomenta una escucha activa. En esta ocasión, el programa está dedicado a dos de las últimas obras de cámara de Johannes Brahms, escritas para clarinete tras su encuentro con el clarinetista Richard Mühlfeld. La Sonata núm. 1 para clarinete en fa menor, Op. 120, compuesta en 1894, forma parte del conjunto de piezas que marcaron el regreso de Brahms a la composición después de haber considerado retirarse. El programa incluye también el Trío en la menor, Op. 114, obra para clarinete, violonchelo y piano compuesta en 1891, que amplía el repertorio camerístico dedicado a este instrumento a finales del siglo XIX. La presentación cuenta con los comentarios iniciales de Juan Arturo Brennan y la interpretación del clarinetista Manuel Hernández junto con el violonchelista Miguel Ángel Villeda y el pianista Naoya Seino.

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Como parte de los programas de jazz de Música UNAM, el Trío Alberto Zuckermann presenta un programa integrado por composiciones originales y obras representativas del repertorio jazzístico del siglo XX. La improvisación ocupa un lugar central en cada pieza, práctica que ha definido el desarrollo del jazz desde sus primeras décadas. El concierto incluye piezas como Monk’s Dream de Thelonious Monk, obra vinculada al álbum homónimo del publicado en 1963, así como The Peacocks de Jimmy Rowles, convertida en un estándar del jazz moderno. También se interpreta música de Joe Zawinul, Steve Kuhn y Alberto Zuckermann.

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Música UNAM presenta la serie Música comentada, concebida como un espacio que acerca al público a obras representativas del repertorio camerístico y fomenta una escucha activa. En esta ocasión, el programa está dedicado a dos de las últimas obras de cámara de Johannes Brahms, escritas para clarinete tras su encuentro con el clarinetista Richard Mühlfeld. La Sonata núm. 1 para clarinete en fa menor, Op. 120, compuesta en 1894, forma parte del conjunto de piezas que marcaron el regreso de Brahms a la composición después de haber considerado retirarse. El programa incluye también el Trío en la menor, Op. 114, obra para clarinete, violonchelo y piano compuesta en 1891, que amplía el repertorio camerístico dedicado a este instrumento a finales del siglo XIX. La presentación cuenta con los comentarios iniciales de Juan Arturo Brennan y la interpretación del clarinetista Manuel Hernández junto con el violonchelista Miguel Ángel Villeda y el pianista Naoya Seino.

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Este programa de ensambles de cámara de la OJUEM traza un recorrido musical que abarca desde el clasicismo hasta el impresionismo y el romanticismo tardío. Para iniciar, Liberato Zepeda y Eduardo De Santiago interpretan la versión para violín y piano del Concierto para violín en la menor, Op. 82 de Alexander Glazunov. Esta partitura de 1904, representativa de la escuela rusa y compuesta para el violinista Leopold Auer, articula sus diferentes secciones en un flujo continuo, sin interrupción entre movimientos. Después, el Dúo Revueltas aborda un repertorio fundamental de la tradición francesa. La selección comprende la Sonata para violín y piano en sol menor, L. 140 de Claude Debussy, escrita en 1917 y última composición completada por el autor; así como la Sonata para violín y piano en la mayor, FWV 8 de César Franck, compuesta en 1886 como obsequio de bodas para el violinista Eugène Ysaÿe. El concierto finaliza con la participación del Trío Nichim, agrupación que interpreta el Trío para piano núm. 4 en si bemol mayor, Op. 11 de Ludwig van Beethoven, conocido como Gassenhauer por sus variaciones sobre un aria de la ópera L'amor marinaro de Joseph Weigl.

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A través del clarinete, el saxofón y el piano, el dúo Tlakuikatl recorre la música latinoamericana con obras de compositoras y compositores de distintas generaciones. Comienza con la Sonata de Carlos Guastavino, una de las obras más representativas del repertorio argentino para clarinete. Continúa con referencias a géneros como la zamba y el tango en piezas de Viviana Danón y Pablo Ziegler, pianista y colaborador cercano de Astor Piazzolla. Las Danzas latinoamericanas de José Elizondo articulan referencias musicales de Argentina, Brasil y México, mientras que la suite Voces del Sur de Roberto Carbajal Montiel retoma música tradicional del estado de Guerrero. También incluye Platônica de Hércules Gomes, seguida por el Danzón núm. 5 de Arturo Márquez, subtitulado Portales de madrugada, obra que evoca el espíritu de los bailes de danzón en Veracruz. El programa continúa con Trópico de Mauricio Murcia Bedoya, la suite Caribeana de Ailem Carvajal-Gómez y Miradas furtivas de José María Vitier.

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El cuarto programa de los ensambles de la OJUEM presenta al cuarteto de percusiones Temazcal, el cual explora el desarrollo del repertorio para este tipo de agrupación a través de obras representativas del siglo XX y de la creación contemporánea. El concierto comienza con Music for Pieces of Wood de Steve Reich, una pieza de 1973 característica del minimalismo que utiliza únicamente cinco pares de claves de madera. Después, se presenta Ecosistema, el primer movimiento de Organika, partitura de 2009 para cuarteto de percusiones escrita por la compositora mexicana María Granillo. De John Cage se incluyen tres composiciones que ilustran su enfoque estético. La primera es Trío (1936), la cual asimila formas de la tradición occidental —como la marcha y el vals— dentro de una instrumentación no convencional. Le sigue Double Music (1941), fruto de una colaboración con Lou Harrison; para este trabajo, ambos autores acordaron una estructura de compases en común y compusieron sus partes de forma independiente. El segmento dedicado a Cage finaliza con Living Room Music (1940), un cuarteto que sustituye los instrumentos convencionales por objetos cotidianos de una sala de estar e incorpora el uso de la voz hablada a partir de un texto de Gertrude Stein. El programa finaliza con Ku-Ka-Ilimoku del estadounidense Christopher Rouse, una composición de 1978 inspirada en la deidad hawaiana de la guerra.

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Como parte de la VIII Feria Internacional del Libro de las Universitarias y los Universitarios (FILUNI), el pianista Pablo García-Berlanga presenta una selección de música escrita para las películas de su tío abuelo, el director Luis García Berlanga, en versiones para piano solo. A lo largo de su trayectoria, el cineasta colaboró con compositores como Jesús García Leoz, Miguel Asins Arbó, Astor Piazzolla y Maurice Jarre, cuyas partituras forman parte de filmes como Esa pareja feliz (1951), Bienvenido, Mister Marshall (1953), Plácido (1961), Las cuatro verdades (1962), El verdugo (1963), La boutique (1967), Grandeur nature (1974), La vaquilla (1985) y París-Tombuctú (1999). El programa incluye también música de Calabuch (1956), compuesta por Francesco Lavagnino y Guido Guerrini, así como Horizontes de niebla, de Carlos Berlanga y Adolfo Urbina.

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En este concierto, Sebastián Domínguez Quartet presenta composiciones originales de sus discos Retornos (2020) y Síntesis (2025). El programa reúne piezas construidas a partir del trabajo colectivo del ensamble y del lenguaje de la improvisación, elementos centrales en la práctica del jazz contemporáneo. A través de la interacción entre guitarra, contrabajo, batería y saxofón este programa ofrece un panorama del trabajo desarrollado por la agrupación en los últimos años.

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Como parte de la VIII Feria Internacional del Libro de las Universitarias y los Universitarios (FILUNI) se presenta El barroco valenciano entre las dos orillas, un concierto con repertorio vocal e instrumental del ámbito hispánico entre los siglos XVII y XVIII que incluye obras de compositores vinculados al antiguo Reino de Valencia y de autores cuya música circuló entre España y los territorios americanos durante el periodo virreinal. El programa reúne piezas de Antonio Literes, Pedro Rabassa, Francisco Corradini, Francisco Hernández y Llana, Sebastián Durón, José de Nebra y Vicente Martín y Soler, además de música anónima preservada en manuscritos de archivos europeos y americanos, la cual atestigua la circulación de repertorios, intérpretes y prácticas musicales entre ambos continentes. El concierto también incluye una selección de Canzonettas de Vicente Martín y Soler, compositor valenciano cuya producción operística alcanzó amplia difusión en Viena durante las últimas décadas del siglo XVIII. La interpretación está a cargo de las sopranos Ruth Rosique y Gimena Sánchez, la violinista Raquel Masmano y la clavecinista Rosa Montagut.

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El quinto programa de ensambles de cámara de la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata (OJUEM) transita entre el clasicismo vienés, el romanticismo decimonónico y la música latinoamericana. En la primera parte, el Cuarteto Eduardo Mata interpreta una adaptación del Cuarteto de cuerdas en fa mayor, Op. 96 de Antonín Dvořák. Conocido como Americano, fue escrito en 1893 durante la estancia del compositor checo en Estados Unidos. En esta ocasión se presenta en un arreglo para cuarteto con flauta. La segunda parte del concierto incluye al Cuarteto de las flores que interpreta el Cuarteto de cuerda núm. 9 en do mayor, Op. 59/3, Razumovski de Ludwig van Beethoven. Esta pieza de 1806 fue la última de la serie encargada por el diplomático ruso Andréi Razumovski. Finalmente, el ensamble presenta las Danzas latinoamericanas del compositor mexicano José Elizondo. Esta suite consta de tres movimientos que exploran géneros musicales específicos de la región: el tango de Argentina, los ritmos de Brasil y las tradiciones del son en México.

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Tesoros del barroco español propone un viaje por la música española del siglo XVIII a partir de dos ámbitos de producción: la catedral y el teatro. La primera parte, titulada Tesoros del barroco español en las catedrales, reúne obras de José Pradas Gallén y Pascual Fuentes, ambos maestros de capilla de la Catedral de Valencia. De Pradas Gallén se conservan más de trescientas composiciones en ese archivo, mientras que la obra de Fuentes refleja la incorporación de recursos procedentes del lenguaje musical europeo sin abandonar elementos de la tradición hispánica. La segunda parte, Tesoros del barroco español en la corte y el teatro, ofrece una selección de piezas de José de Nebra y José Castel, compositores vinculados al desarrollo de la zarzuela y la ópera en España. Nebra escribió obras para la corte y colaboró con el entorno artístico de Farinelli, mientras que Castel participó en la renovación del teatro musical de su tiempo.

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Tesoros del barroco español propone un viaje por la música española del siglo XVIII a partir de dos ámbitos de producción: la catedral y el teatro. La primera parte, titulada Tesoros del barroco español en las catedrales, reúne obras de José Pradas Gallén y Pascual Fuentes, ambos maestros de capilla de la Catedral de Valencia. De Pradas Gallén se conservan más de trescientas composiciones en ese archivo, mientras que la obra de Fuentes refleja la incorporación de recursos procedentes del lenguaje musical europeo sin abandonar elementos de la tradición hispánica. La segunda parte, Tesoros del barroco español en la corte y el teatro, ofrece una selección de piezas de José de Nebra y José Castel, compositores vinculados al desarrollo de la zarzuela y la ópera en España. Nebra escribió obras para la corte y colaboró con el entorno artístico de Farinelli, mientras que Castel participó en la renovación del teatro musical de su tiempo.

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Tesoros del barroco español propone un viaje por la música española del siglo XVIII a partir de dos ámbitos de producción: la catedral y el teatro. La primera parte, titulada Tesoros del barroco español en las catedrales, reúne obras de José Pradas Gallén y Pascual Fuentes, ambos maestros de capilla de la Catedral de Valencia. De Pradas Gallén se conservan más de trescientas composiciones en ese archivo, mientras que la obra de Fuentes refleja la incorporación de recursos procedentes del lenguaje musical europeo sin abandonar elementos de la tradición hispánica. La segunda parte, Tesoros del barroco español en la corte y el teatro, ofrece una selección de piezas de José de Nebra y José Castel, compositores vinculados al desarrollo de la zarzuela y la ópera en España. Nebra escribió obras para la corte y colaboró con el entorno artístico de Farinelli, mientras que Castel participó en la renovación del teatro musical de su tiempo.

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La serie de conciertos de Música comentada continúa con los cuartetos de cuerda de Claude Debussy y Maurice Ravel. El Cuarteto en sol menor, Op. 10 de Debussy, compuesto en 1893, marcó un punto de inflexión en la escritura para esta formación mediante el uso de un motivo cíclico que recorre toda la obra. Una década después, en 1903, Ravel compuso su Cuarteto en fa mayor, obra dedicada a su maestro Gabriel Fauré, que dialoga con la tradición heredada de Debussy. La presentación cuenta con los comentarios iniciales de Elena Kopylova y la interpretación del Cuarteto Arcano.

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La serie de conciertos de Música comentada continúa con los cuartetos de cuerda de Claude Debussy y Maurice Ravel. El Cuarteto en sol menor, Op. 10 de Debussy, compuesto en 1893, marcó un punto de inflexión en la escritura para esta formación mediante el uso de un motivo cíclico que recorre toda la obra. Una década después, en 1903, Ravel compuso su Cuarteto en fa mayor, obra dedicada a su maestro Gabriel Fauré, que dialoga con la tradición heredada de Debussy. La presentación cuenta con los comentarios iniciales de Elena Kopylova y la interpretación del Cuarteto Arcano.

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En Relatos del corno, Ángel Herrera propone un recorrido por distintas etapas del repertorio para corno francés entre los siglos XVIII y XX. El programa comienza con una adaptación del Preludio de la Suite para violonchelo núm. 4 BWV 1010 de Johann Sebastian Bach, obra compuesta hacia 1721 que permite apreciar las posibilidades cantábiles del instrumento. Continúa con el Quinteto para corno y cuarteto de cuerdas en mi bemol mayor, K. 407 de Wolfgang Amadeus Mozart, una de las obras de cámara más relevantes para corno, escrita para el virtuoso Joseph Leutgeb. El programa incluye piezas de Reinhold Glière y el tercer movimiento, Rondo, del Concierto para corno núm. 2 de Richard Strauss, obras que muestran las posibilidades del instrumento como solista durante los siglos XIX y XX. El programa finaliza con el Sexteto para dos cornos y cuarteto de cuerdas, Op. 81b de Ludwig van Beethoven, una obra publicada en 1810 que presenta una dotación poco frecuente en la música de cámara.

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El proyecto Neige pens’art presenta un programa con repertorios compuestos en distintos centros culturales de la Europa medieval. Las obras abordan temas vinculados con la devoción religiosa, el amor cortés y la percepción del mundo social a través de las voces de trovadores, poetas y compositores de la época. El concierto incluye música de Hildegarda de Bingen, figura central de la monodia litúrgica del siglo XII, así como de trovadores occitanos como Jaufré Rudel, Marcabru y Peire Vidal. Además, interpreta Mors sui, se je ne vous voy, virelai de Guillaume de Machaut, representante del Ars Nova francés. El programa también incluye piezas de las Cantigas de Santa María y música instrumental procedente de manuscritos medievales franceses e ingleses. Algunas obras contarán con ilustraciones realizadas en vivo.

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El ensamble Novum Antiqua Musica interpreta obras vocales e instrumentales del Barroco inglés y francés compuestas entre finales del siglo XVII y la primera mitad del XVIII. Las cantatas Pan et Syrinx de Michel Pignolet de Montéclair y Actéon de Joseph Bodin de Boismortier toman como punto de partida relatos de la mitología clásica, un tema frecuente en la música francesa de la época. El concierto incluye además canciones de Henry Purcell, figura central de la música inglesa y autor de obras para la corte, el teatro y la iglesia, cuya producción contribuyó al desarrollo de la canción en lengua inglesa. Incluye Le Badinage de Marin Marais, compositor y violagambista de la corte de Luis XIV, reconocido por su aportación al repertorio para viola da gamba.

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Medieval MX presenta el programa Atlas Armónico, un recorrido por repertorios europeos de los siglos XII al XV vinculados con la devoción religiosa, la lírica trovadoresca, el amor cortés y la vida cotidiana. Incluye piezas de Hildegarda de Bingen, una de las figuras más documentadas de la Edad Media; cantigas asociadas a la corte de Alfonso X de Castilla; canciones de trovadores como Bernart de Ventadorn y Raimbaut de Vaqueiras; así como obras de Guillaume de Machaut, Guillaume Dufay, Francesco Landini y otros autores vinculados al desarrollo de la polifonía y la canción medieval. También incorpora repertorio anónimo procedente de Inglaterra, Francia e Italia, reflejo de las formas de transmisión musical que caracterizaron gran parte de la cultura durante el Medievo.

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Este concierto conmemora el 82 Aniversario de la Facultad de Música de la Universidad Veracruzana, institución fundada en 1944 y que, desde entonces, ha formado intérpretes, compositores, docentes e investigadores. El programa reúne a estudiantes destacados que interpretan obras escritas entre los siglos XIX y XXI. Incluye Introduction et Caprice de Giulio Regondi, figura vinculada al desarrollo de la guitarra de concierto. También se presentan selecciones de la Sonata para violonchelo en re menor, Op. 40 Dmitri Shostakóvich, así como de la suite Historia del tango del compositor argentino Astor Piazzolla. Del repertorio para piano se incluyen las Tres danzas argentinas de Alberto Ginastera, obra compuesta en 1937, cuando aún estudiaba en el conservatorio de su país. El programa finaliza con dos piezas para percusión de Leander Kaiser y Pius Cheung, representantes del repertorio contemporáneo para el instrumento.

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Este concierto propone un viaje imaginario protagonizado por Egeria y Marco Polo, dos figuras fundamentales en la historia de los viajes. Egeria, peregrina hispana del siglo IV, dejó uno de los primeros relatos conservados de un recorrido por Tierra Santa; Marco Polo, mercader veneciano del siglo XIII, dio a conocer a Europa descripciones de regiones de Asia a través de un libro que circuló ampliamente durante la Edad Media. Ambas figuras reflejan la curiosidad por conocer otros territorios y el encuentro entre distintas culturas. La selección reúne cantos, laudas y composiciones conservadas en códices italianos, franceses y españoles, así como piezas de la tradición siríaca maronita. Entre ellas se encuentran obras marianas transmitidas por el manuscrito Latin 5132 del Monasterio de Ripoll. La mayoría de estas músicas han llegado hasta nuestros días de forma anónima, una condición frecuente en la Edad Media, cuando la transmisión oral, el uso litúrgico o comunitario y la circulación de los repertorios tenían mayor relevancia que la identificación individual de sus autores. Como las rutas recorridas por Egeria y Marco Polo, estas obras atravesaron fronteras geográficas, lingüísticas y culturales, dejando testimonio de procesos de intercambio y transmisión a lo largo de los siglos.

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Este programa reúne música profana italiana del siglo XIV, un periodo conocido como Trecento, que coincidió con la vida y la influencia cultural de Dante Alighieri. La selección incluye obras de Francesco Landini, figura central de la música italiana del siglo XIV, así como de Jacopo da Bologna y Giovanni da Cascia, representantes del madrigal y la caccia. El programa cuenta también con piezas instrumentales anónimas conservadas en manuscritos de Italia e Inglaterra que nos acercan a piezas características de la época, entre ellas la istampitta y el saltarello, asociadas con la vida cortesana y la danza.

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Compuestas alrededor de 1741 y publicadas como parte del Clavier-Übung, las Variaciones Goldberg, BWV 988, constituyen uno de los conjuntos más extensos de Johann Sebastian Bach para teclado. La obra parte de un aria y desarrolla treinta variaciones construidas sobre un mismo bajo y esquema armónico. En este concierto se interpreta la primera mitad del ciclo, desde el Aria hasta la variación 15, donde Bach combina danzas, fughettas, pasajes virtuosísticos y cánones que avanzan progresivamente del unísono a la quinta. El ensamble Il Furore presenta una adaptación para traverso, violín, viola da gamba y clavecín que redistribuye las líneas contrapuntísticas entre cuatro instrumentos, ofreciendo una nueva perspectiva sobre la arquitectura musical de la obra.

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Compuestas alrededor de 1741 y publicadas como parte del Clavier-Übung, las Variaciones Goldberg, BWV 988, constituyen una de las obras más conocidas de Johann Sebastian Bach. Construidas sobre un mismo esquema armónico, las treinta variaciones exploran distintos procedimientos contrapuntísticos, formas de danza y recursos de escritura instrumental. En este segundo concierto se presenta la parte final del ciclo, desde la variación 16 hasta el retorno del Aria. Esta sección incluye el Quodlibet, pieza que combina melodías populares, y con la reaparición del aria inicial, que restablece el punto de partida tras el extenso desarrollo musical. El ensamble Il Furore interpreta esta versión para traverso, violín, viola da gamba y clavecín, una adaptación que distribuye la escritura polifónica entre cuatro voces instrumentales y ofrece una nueva perspectiva sobre la arquitectura contrapuntística de la obra.

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El ensamble Gradus Ad Parnassum reúne obras de Claudio Monteverdi y Carlo Gesualdo, figuras centrales en la transformación del lenguaje musical entre los siglos XVI y XVII. Monteverdi, autor de L’Orfeo (1607) y de los libros de madrigales que consolidaron la seconda pratica, situó la expresión del texto como principio fundamental de la composición. Gesualdo llevó el madrigal a una exploración intensa del cromatismo y la relación entre música y palabra, especialmente en sus últimos libros publicados entre 1596 y 1611. Interpretado por un ensamble vocal e instrumental, el concierto recorre distintas respuestas a un mismo momento de cambio estético, cuando las formas heredadas del Renacimiento dieron paso a los recursos que definirían el Barroco temprano.

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