Entre los siglos XVI y XVIII, la música europea circuló fuera del continente mediante rutas que conectaron el Mediterráneo con Asia y el Pacífico. Este programa propone escuchar esa circulación como experiencia sonora. Las Canciones y villanescas espirituales de Francisco Guerrero, los motetes de Francisco Soto de Langa y las obras de Antonio de Salazar representan un repertorio ibérico presente en los circuitos musicales del mundo hispánico. La obra instrumental de Arcangelo Corelli establece un modelo para la música de cámara barroca. La trayectoria de Teodorico Pedrini muestra otro ámbito de intercambio: formado en Italia, desarrolló su actividad en la corte imperial china, donde adaptó el lenguaje sonatístico a otro contexto. Sus sonatas condensan ese cruce de tradiciones. Los llamados Aires chinos recopilados por Joseph-Marie Amiot presentan repertorios locales transcritos a un sistema occidental. El programa finaliza con Franz Joseph Haydn, cuya música de cámara corresponde a una etapa posterior: la consolidación de un lenguaje instrumental europeo ya plenamente internacional, difundido por las mismas redes de intercambio que, décadas antes, habían llevado sonatas, villancicos y prácticas musicales a través del mundo.

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En esta charla virtual se explorarán las trayectorias de José Rolón y Manuel de Falla, quienes celebran el 150 aniversario de su nacimiento. José Rolón, de Zapopan, Jalisco, y Manuel de Falla, nacido en Cádiz, España. Aunque provenían de orillas opuestas del Atlántico, sus historias tienen muchos paralelismos. Ambos realizaron estudios en París en distintos periodos y tuvieron como maestro a Paul Dukas. Se nutrieron de las vanguardias parisinas para volver a sus países de origen transformados, con el objetivo de generar un sonido propio; los dos lo lograron, dejando una marca indeleble en la música de sus respectivas tierras natales.

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Este concierto se transmitirá en vivo en Música UNAM y YouTube

En este concierto se interpretan tres obras del ciclo de los Conciertos de Brandemburgo de Johann Sebastian Bach, compuestos hacia 1721 y dedicados a Christian Ludwig, margrave de Brandemburgo. Este conjunto de seis conciertos reúne distintas combinaciones instrumentales y refleja la práctica del concierto barroco. El programa incluye el Concierto núm. 6 en si bemol mayor, BWV 1051, que destaca el uso de violas y violas da gamba. Por su parte, el Concierto núm. 3 en sol mayor, BWV 1048, se organiza en tres grupos de cuerdas y continuo. Finaliza con el Concierto de Brandemburgo núm. 1 en fa mayor, BWV 1046, donde se establece un diálogo entre los instrumentos de aliento y las cuerdas.

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En este programa, la soprano Cecilia Eguiarte, el pianista James Pullés y el guitarrista Alejandro Nava presentan un recorrido que conmemora el legado musical de Manuel de Falla y José Rolón, a 150 años de su nacimiento. Del compositor mexicano se interpretan obras como Tres danzas para piano y Dibujos sobre un puerto, ciclo de canciones compuesto en 1932 con poemas de José Gorostiza. De Manuel de Falla se incluyen arreglos para guitarra sola sobre temas de La vida breve y la Danza del molinero del ballet El sombrero de tres picos, así como Siete canciones populares españolas, colección de 1914 que evoca temas y ritmos locales. El concierto se complementa con obras de compositores contemporáneos de Rolón y Falla, como Manuel M. Ponce y Ricardo Castro.

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En este concierto se interpretan tres obras del ciclo de los Conciertos de Brandemburgo de Johann Sebastian Bach, compuestos hacia 1721 y dedicados a Christian Ludwig, margrave de Brandemburgo. Este conjunto de seis conciertos reúne distintas combinaciones instrumentales y refleja la práctica del concierto barroco. En esta presentación se incluyen el Concierto de Brandemburgo núm. 2 en fa mayor, BWV 1047, el Concierto núm. 5 en re mayor, BWV 1050 y el Concierto núm. 4 en sol mayor, BWV 1049, obras que muestran la diversidad instrumental y formal del repertorio concertante de Bach.

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En su segunda temporada, la OJUEM interpreta obras de Ígor Stravinski y Antonín Dvořák que muestran distintos enfoques de la escritura para conjuntos instrumentales. Comienza con las Sinfonías para instrumentos de aliento, obra en un solo movimiento de 1920, dedicada a la memoria de Claude Debussy. Continúa con el Octeto para instrumentos de aliento, estrenado en 1923 en París bajo la dirección del propio compositor. La segunda parte del concierto incluye la Serenata para cuerdas, Op. 22 de Dvořák, escrita en 1875 durante un periodo feliz en la vida del compositor, tras el nacimiento de su primer hijo.

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En este concierto, Noelia Rodiles reúne obras de compositoras y compositores españoles que, tras el exilio provocado por la Guerra Civil Española, desarrollaron una parte significativa de su actividad musical en México. Incluye piezas para piano de Jesús Bal y Gay, Rosa García Ascot y María Teresa Prieto, cuyas obras reflejan la diversidad estilística del exilio musical. Además, presenta la Sonata para piano de Julián Orbón, obra recuperada recientemente y ausente durante décadas en el catálogo del compositor. Estas obras se entrelazan con sonatas de Domenico Scarlatti y piezas de Gabriela Ortiz que ponen un acento en la música contemporánea mexicana.

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La serie de conciertos de Música comentada continúa con el Divertimento para trío de cuerdas en mi bemol mayor, KV 563 de Wolfgang Amadeus Mozart, compuesto en 1788. Conocida también como Trío para violín, viola y violonchelo, esta obra fue escrita en el mismo periodo que las ultimas sinfonías del compositor, tres años antes de su fallecimiento. La presentación cuenta con los comentarios iniciales de Ricardo Miranda y la interpretación del violinista Omar Guevara, el violista Yuri Bullón y la violonchelista Irene Carrasco.

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La serie de conciertos de Música comentada continúa con el Divertimento para trío de cuerdas en mi bemol mayor, KV 563 de Wolfgang Amadeus Mozart, compuesto en 1788. Conocida también como Trío para violín, viola y violonchelo, esta obra fue escrita en el mismo periodo que las ultimas sinfonías del compositor, tres años antes de su fallecimiento. La presentación cuenta con los comentarios iniciales de Ricardo Miranda y la interpretación del violinista Omar Guevara, el violista Yuri Bullón y la violonchelista Irene Carrasco.

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Como parte del proyecto La FaM en la Chávez, Música UNAM recibe al Ensamble Tlapalli, que interpreta dos obras para cuarteto con piano de Wolfgang Amadeus Mozart y Joaquín Turina. La primera parte presenta el Cuarteto con piano núm. 1 en sol menor, K. 478 de Mozart, compuesto en 1785 y considerado una de las primeras obras que consolidaron el repertorio para piano y cuerdas. La segunda parte del concierto incluye el Cuarteto en la menor, Op. 67 de Turina, obra compuesta en 1931 que integra referencias del cante jondo en la escritura camerística.

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“En ella se verán presentarse las cosas mismas, las cuales, bajo figura humana, os cautivarán con imágenes nuevas y singulares”, señala el prólogo de Rappresentatione di Anima et di Corpo de Emilio de' Cavalieri, obra estrenada en 1600 en el Oratorio de Santa Maria in Vallicella. Este drama en tres actos se sitúa en los inicios del Barroco y se considera una de las primeras obras dramático-musicales de la tradición occidental. A medio camino entre la ópera y el oratorio, introduce el estilo recitativo, que otorga primacía a la palabra y que sería desarrollado por compositores como Giulio Caccini, Jacopo Peri y Claudio Monteverdi. En la obra, el Alma y el Cuerpo dialogan con figuras simbólicas como el Intelecto, el Placer o el Ángel guardián. Su estreno, vinculado a la congregación de Felipe Neri, se situó en el contexto de la Contrarreforma; hoy, propone una reflexión sobre la trascendencia y el destino humano.

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“En ella se verán presentarse las cosas mismas, las cuales, bajo figura humana, os cautivarán con imágenes nuevas y singulares”, señala el prólogo de Rappresentatione di Anima et di Corpo de Emilio de' Cavalieri, obra estrenada en 1600 en el Oratorio de Santa Maria in Vallicella. Este drama en tres actos se sitúa en los inicios del Barroco y se considera una de las primeras obras dramático-musicales de la tradición occidental. A medio camino entre la ópera y el oratorio, introduce el estilo recitativo, que otorga primacía a la palabra y que sería desarrollado por compositores como Giulio Caccini, Jacopo Peri y Claudio Monteverdi. En la obra, el Alma y el Cuerpo dialogan con figuras simbólicas como el Intelecto, el Placer o el Ángel guardián. Su estreno, vinculado a la congregación de Felipe Neri, se situó en el contexto de la Contrarreforma; hoy, propone una reflexión sobre la trascendencia y el destino humano.

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El pianista Mateo Hurtado Castillo presenta FUSIÓN: la música para piano de los últimos 100 años donde propone un recorrido entre diferentes estilos musicales a través de obras para piano solo. El programa establece vínculos entre la música de concierto, el jazz y repertorio latinoamericano e integra piezas de Richard Rodgers y Miles Davis, junto con piezas de Thelonious Monk y Duke Ellington. La música de Pierre Boulez y György Kurtág dialoga con la escritura pianística de Chick Corea y José Luis Hurtado. La segunda parte del programa incluye obras de Serguéi Rajmáninov, Ernesto Lecuona, Bill Evans, Alberto Ginastera, Astor Piazzolla y Consuelo Velázquez.

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En este programa, la OJUEM reúne dos serenatas de la segunda mitad del siglo XIX, inspiradas en la tradición del género durante el Clasicismo. Comienza con la Serenata para instrumentos de aliento, Op. 44 de Antonín Dvořák, compuesta en 1878, basada en una serenata de Wolfgang Amadeus Mozart. Escrita en cuatro movimientos, la obra incluye un conjunto de alientos con violonchelo y contrabajo. La segunda parte del concierto presenta la Serenata para cuerdas, Op. 48 de Piotr Ilich Chaikovski, compuesta en 1880. El primer movimiento de la obra fue concebido como un homenaje a Mozart.

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En este programa los jóvenes pianistas José Pablo Montero y Sergio Escalera interpretan una selección de piezas para el instrumento que recorren diversas latitudes y estilos musicales. La primera parte del programa, titulada Imaginación al piano, reúne obras que sitúan la fantasía y la evocación como punto de partida del discurso musical. El programa incluye la Fantasía cromática y fuga de Johann Sebastian Bach, Jeux d’eau de Maurice Ravel, el vals Mefisto núm. 1 de Franz Liszt y Pinturas rupestres del propio José Pablo Montero. La segunda parte, titulada Diálogos de la pianistería cubana, establece vínculos entre compositores cubanos y obras de Claude Debussy. La selección incluye piezas de Félix Guerrero, Ernán López‑Nussa, Ernesto Oliva, Magaly Ruiz y Andrés Alén.

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Canticum ad BMV propone un recorrido por la música mariana en la Italia del siglo XVII, una época en la que la espiritualidad y la búsqueda de nuevas formas de expresión transformaron profundamente el lenguaje musical europeo. A través de motetes, himnos, salmos y sonatas instrumentales, el programa reúne obras surgidas en algunos de los principales centros musicales italianos, como Venecia, Bolonia y Roma. Este concierto cuenta con la participación de un ensamble integrado por maestros de la Academia de Música Antigua y del director invitado Josep Cabré.

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La OJUEM se presenta en el Estudio A del Instituto Mexicano de la Radio (IMER) como parte del Festival Euforia, en conmemoración de los 40 años de la emisora Opus 94. Este programa reúne dos serenatas de la segunda mitad del siglo XIX, inspiradas en la tradición del género durante el Clasicismo. Comienza con la Serenata para instrumentos de aliento, Op. 44 de Antonín Dvořák, compuesta en 1878, basada en una serenata de Wolfgang Amadeus Mozart. Escrita en cuatro movimientos, la obra incluye un conjunto de alientos con violonchelo y contrabajo. La segunda parte del concierto presenta la Serenata para cuerdas, Op. 48 de Piotr Ilich Chaikovski, compuesta en 1880. El primer movimiento de la obra fue concebido como un homenaje a Mozart.

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La Groton Jazz Band “Soul Sauce” presenta un programa que reúne géneros como el swing, funk, el jazz contemporáneo y la música latinoamericana. Incluye obras asociadas a figuras como Duke Ellington, referente de la tradición de las big bands, Charles Mingus, cuya producción influyó en el desarrollo del jazz moderno, y James Brown, figura vinculada al surgimiento del funk.

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Este programa reúne obras del repertorio pianístico del siglo XIX y XX. La primera parte, a cargo del pianista Francisco Arista, presenta Kreisleriana, Op. 16 de Robert Schumann, compuesta en 1838 e inspirada en el personaje literario de E. T. A. Hoffmann. La obra costa de ocho movimientos contrastantes y fue dedicada a Frédéric Chopin. La segunda parte cuenta con la participación de Fernando Alec Vera, quien interpreta Tres piezas, Op. 6 de Alberto Ginastera, obras escritas en 1940, que incorporan elementos de la música tradicional argentina. El programa continúa con el estudio Gnomenreigen de Franz Liszt, perteneciente a los Estudios de concierto S. 145. El programa finaliza con dos scherzos de Frédéric Chopin, obras que forman parte de su producción pianística entre 1833 y 1837.

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En este programa, la pianista Daniela Díaz y el Cuarteto Temictli presentan una selección de obras de compositoras y compositores de distintas generaciones, vinculadas al desarrollo de la música contemporánea en México. La primera parte del concierto incluye obras para piano solo de compositoras como Marta García Renart, Alicia Urreta y Graciela Agudelo, así como de jóvenes creadoras como Alhelí Pérez y Cutzi Jurhiata. La segunda parte incluye piezas para cuarteto de cuerdas de Salvador Contreras, Ana Lara y Cristián Gómez. Además, se incluye una improvisación colectiva para piano y cuarteto de cuerdas.

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El Trío LaMN (Laboratorio de Música Nueva) se presenta como parte del Programa Universitario de Música Actual recorrido a través de los diversos lenguajes y estilos musicales contemporáneo para el trio de cuerdas. El String Trio de Tigran Mansurian incorpora referencias a la música tradicional armenia dentro de una escritura contemporánea. Cloud Trio de Kaija Saariaho, estrenado en 2009, explora la organización del sonido a partir de texturas y procesos asociados a la estética espectral. Móvil II de Manuel Enríquez utiliza notación gráfica y propone una interpretación abierta basada en la interacción de los intérpretes. El String Trio de Sofía Gubaidulina emplea proporciones derivadas de series numéricas, como Fibonacci, para estructurar el desarrollo temporal de la obra.

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En este concierto, la OJUEM se presenta junto con el pianista Rodolfo Ritter y el Cuarteto Latinoamericano en la presentación final de La última y nos vamos, temporada con la que el ensamble concluye 44 años de actividad artística. A lo largo de su trayectoria, el Cuarteto Latinoamericano mantuvo una labor continua en la difusión de la música de cámara y del repertorio latinoamericano contemporáneo, además de presentarse en escenarios de América, Europa y Asia. El programa incluye Cuatro estaciones porteñas de Astor Piazzolla, en un arreglo de César Olguín para cuarteto, piano y orquesta de cuerdas, así como La mer de Claude Debussy, compuesta entre 1903 y 1905.

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Este concierto reúne obras de guitarra contemporánea de compositores de Europa y América Latina. Incluye la suite para guitarra Koyunbaba, Op. 19, del italiano Carlo Domeniconi, que incorpora elementos de la música turca, y la Sonata del amor de Julio César Oliva, obra de 1994 que nos aproxima a una de las figuras más representativas de la guitarra clásica en México. À l’aube du dernier jour del francés Francis Kleynjans amplía el repertorio contemporáneo del instrumento. La segunda parte integra obras para flauta y guitarra como la Tocata de Eduardo Angulo, Jobiniana núm. 2 de Sérgio Assad, además de Historia del tango de Astor Piazzolla, ciclo compuesto en 1985 que recrea las sonoridades y transformaciones del género a través del tiempo.

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